Aunque resulta poco preciso clasificar los distintos tipos de películas de terror, ya que los géneros se superponen y se cruzan unos con otros, he intentado dar una visión personal lo más genérica posible, intentando abarcar todo tipo de films del género. Una película de terror podrá ser, por ejemplo, de estilo clásico, realista, de ambientación contemporánea y psicológica, pero bien podría ser también de estilo clásico, de ciencia ficción, gótica y física, como por ejemplo Frankenstein (James Whale, 1931). Todos estos estilos pueden mezclarse, pero he establecido una dicotomía entre ciertos tipos de films, por ejemplo o es clásica o es moderna. Luego, un film clásico de terror podrá ser realista o no, podrá ser gótico o no y podrá ser psicológico o no. Éstas son las clasificaciones que he considerado:

Clásico o moderno

El terror clásico es aquel que tiene como base los esquemas esenciales del género, mayormente tiene sus raíces en la literatura gótica, con figuras tales como la del vampiro, el hombre lobo o el fantasma, o bajo determinados temas criminalísticos. La literatura clásica de terror abarca hasta mediados del siglo XIX, con la irrupción de los padres del terror moderno, Edgar Allan Poe y Joseph Sheridan Le Fanu. Es por ello que, en teoría, el cine de terror, ya en muchas de sus películas de los años 30, tiene una estructura moderna, pero en el séptimo arte no está tan clara la división entre los esquemas clásicos del género y la ruptura moderna. Hay quienes consideran que el cine de terror clásico se limita a los años 30 y 40, con las obras de la Universal como las más representativas, considerando que la ciencia ficción terrorífica de los 50 ya queda embarcada en el terror moderno. Pero, en todo caso, donde sí hay unanimidad es en considerar que el cine de terror moderno existe, como mínimo, desde los años 70.

Una de las características del cine de terror moderno es su alejamiento de los esquemas góticos, con una ambientación de cotidianos ambientes urbanos o locales. Suele ser más realista, incluyéndose lo sobrenatural cuando se hiciera como algo inverosimil o extraordinario, frente a la “naturalidad” con que lo fantástico convive con lo terrenal en el universo gótico. La figura del monstruo, de hecho, cobra menos importancia, por ello con la llegada del terror moderno géneros como el psycho-killer experimentaron un auge. La censura histórica en el cine también ha dado como resultado que mientras que el terror clásico se base más en la sugerencia, el terror moderno, con la llegada de mayores libertades en los 70, pudiese ser más sangriento y sexual.

Por tanto, en el terror clásico podemos albergar la mayoría de las obras góticas, tales como los Drácula y compañía, si bien también obras de ambientación más moderna o contemporánea como Freaks: La parada de los monstruos (Tod Browning, 1932) y Los ojos misteriosos de Londres (Walter Summers, 1940), y con elementos fantásticos o de ciencia ficción como King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933) y La guerra de los mundos (Byron Haskin, 1953). Films representativos del terror moderno son obras como El exorcista (William Friedkin, 1973), La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974), Carrie (Brian De Palma, 1976) y Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979).

Gótico o contemporáneo

Una vez explicado lo anterior, queda también explicada en parte la diferencia entre el cine de terror gótico y el resto. La literatura gótica de terror se inicia en 1765 con El castillo de Otranto de Horace Walpole, abarcando desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, cuando empezó a ser renovada con nuevos estilos de terror (los mencionados Poe y Le Fanu). Recurre a los esquemas más clásicos del miedo, es decir, lugares tenebrosos como castillos, mansiones y cementerios, atmósfera oscura y misteriosa, inspiración en leyendas populares... de ahí la conocida iconografía basada en vampiros, hombres lobo, fantasmas, demonios y otros monstruos, muchas veces, aunque no necesariamente, ligando lo sobrenatural con lo gótico. Para entender la literatura gótica hay que conocer el movimiento del romanticismo, desarrollado durante los siglos XVIII y XIX, el cuál tenía un especial gusto por el medievalismo y, en general, por épocas pretéritas, de ahí que las obras de literatura gótica se ambienten en la Edad Media o en contextos culturales pasados como el Renacimiento o el Barroco, aunque también había obras ambientadas en su época contemporánea, la época victoriana.

En el cine de terror, el género gótico fue el más importante del periodo clásico, desde los primeros films de terror de los años 20 hasta las producciones de la Hammer de los 60, si bien en los años 50 el gótico tuvo su primera crisis frente a la contemporaneidad de las películas de terror de ciencia ficción, y en los años 40 el terror contemporáneo empezaba a tomar fuerza. Con la llegada del terror moderno en los 70, lo contemporáneo, la ambientación cotidiana y realista frente al tenebrismo gótico, se terminó imponiendo. En muchos casos, los conceptos e iconos góticos se trasladan a la contemporaneidad, por ejemplo en El ansia (Tony Scott, 1983) la figura del vampiro se desliga de los tradicionales esquemas góticos, adaptándose a la modernidad.

Realista, fantástico o de ciencia ficción

Una de las divisiones más claras que se puede establecer en el cine de terror se basa en su pertenencia o no al más estricto cine fantástico, pues en sí toda película de terror está influida por el género fantástico, pero aquí nos referiremos a los films dependiendo de si son o no temáticamente fantásticos. Puede establecerse una distinción entre el cine de terror “realista”, aquel que suele tratar temas normalmente criminalísticos, por tanto muchas veces encuadrados en el thriller de terror, como es el caso de las películas de psycho-killers, por ejemplo Los ojos misteriosos de Londres (Walter Summers, 1940), y por otra parte el terror fantástico. Dentro de lo fantástico podemos considerar dos vertientes, la de fantasía, con elementos sobrenaturales, que va desde films como Drácula (Tod Browning, 1931) hasta Carrie (Brian De Palma, 1976), y que encuadra a la mayoría de películas de terror, y por otro lado la vertiente de la ciencia ficción, con películas como Frankenstein (James Whale, 1931) y Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979).

Físico o psicológico

Por lo general en toda película de terror se entremezclan recursos tanto físicos como psicológicos para inquietar o asustar al espectador. Podríamos decir que, según hacia donde se incline la balanza, se puede considerar una película de terror como física o como psicológica. El terror físico es aquel que, físicamente, asusta. Sea por una determinada imagen, un determinado escenario o una determinada música. En el cine queda claramente definido, como medio audiovisual que es, en lo que vemos y en lo que oímos. Una escena de violencia, o un golpe de sonido, son claramente efectistas elementos físicos. Por el contrario, lo psicológico excluye lo físico, es decir, no se basa en las simples percepciones de los sentidos. No es algo que se vea o se oiga, es más bien algo que se intuye. Es una forma de terror más compleja, pues se basa en los detalles para que en el cerebro del espectador se vaya instalando una sensación de terror.

La clásica literatura gótica, desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, con sus castillos misteriosos, bosques siniestros y cementerios aullantes, con sus monstruos y sus derramamientos de sangre, representa los esquemas clásicos del terror físico. Poe y Le Fanu serían sin embargo los padres del terror psicológico, sin caer en los elementos más obvios del género de terror, huyendo del efectismo mediante técnicas más complejas dirigidas a la mente del lector. En el cine de terror puede establecerse una equivalencia similar. El que es considerado el primer largometraje de terror, El estudiante de Praga (Stellan Rye y Paul Wegener, 1913), es de hecho un film de terror psicológico, inspirado por autores como Poe y Goethe. Pero mayormente el grueso de la producción de cine de terror se cimenta en films de terror físico, algo que, en parte, se potenció con la llegada del terror moderno en los 70, más efectista.

Finalizado aquí el artículo, como es natural, todo lo dicho anteriormente es muy susceptible de ser discutible por la mencionada poca división clara entre los distintos tipos de películas de terror y la consideración de qué clasificaciones son más o menos correctas, pero creo que sí es un acercamiento general a los distintos contenidos que se pueden dar en el género.

- Paco Antequera

Las páginas de aficionados al cine de género han venido, de alguna manera, a sustituir al fanzine, facilitando el acceso a la información hacia el género fantástico más atrevido y bizarro. Al igual que con el fanzine, hay de todo; mucha paja pero también información de gran interés difícil de encontrar en los medios profesionales. En esta ocasión no voy a hablar de muchas webs, sino de algunas de las más conocidas del fandom español, no necesariamente independientes ya que del amateurismo de sus inicios algunas han llegado a “profesionalizarse”, es decir, a obtener ganancias de la publicidad.

Cine fantástico

Le tengo especial cariño porque fue una de las primeras webs y foros a los que me hice habitual, pasando a ser parte de mi rutina diaria su visita, por lo que como aficionado al cine fantástico le debo mucho. Con el tiempo, la web se ha profesionalizado bastante, dándole mayor importancia a las fichas de estrenos y a las entrevistas de promoción, aunque se ha estancado mucho, de la buena base de datos que era antaño, ahora se amplia con lentitud, aunque actualiza regularmente cada semana.

www.cinefantastico.com

Aullidos

Se ha convertido en el portal de cine fantástico en español más popular, habiéndose “profesionalizado” (es decir, dependiendo de la publicidad). No es que sea muy original (está claro que se inspiran en Bloody Disgusting) ni que tengan una base de datos muy interesante, ni mucho menos los comentarios y las críticas son destacables, pero han sabido conectar con el aficionado medio al cine de terror, ya que sus administradores y colaboradores tienen mucho gusto por ese terror de estilo estadounidense, ese “terror de palomitas” de psicópatas, monstruos, gore..., esto sumado a sus actualizaciones diarias y lo completa que es la web, ya que además amplió sus contenidos a la literatura, el comic y los videojuegos de corte fantástico, hace que sea una de las principales referencias a las que acudir.

www.aullidos.com

Abandomoviez

Otra de las webs de cine fantástico y de terror más populares y no precisamente por estar administrada por versados aficionados al cine de género. Al igual que Aullidos, ha terminado albergando literatura, comics y videojuegos. Antes se dedicaban bastante a hacer “copias de seguridad” de películas, lo que la hacía un estupendo punto de encuentro en el que compartir material entre aficionados. Si algo destaca esta web por encima de las demás, es su enorme base de fichas de películas, por lo que para buscar si existe determinada película o datos de ésta como su director, yo siempre busco en la base de datos de Abandomoviez, si no está difícil será encontrar en otro sitio. Como curiosidad, decir que de esta web nació el Día del orgullo zombie (hoy llamado Marcha Zombie).

http://www.abandomoviez.net

Klowns asesinos

Otra página web de cine de terror hecha con cierto enfoque juvenil. Aunque está lejos del interés de Aullidos y Abandomoviez, me ha parecido interesante señalarla por hablar también de películas asiáticas, mientras que la mayoría de webs se centran en el terror occidental, dejando siempre como información minoritaria la del fructífero género fantástico y de terror oriental.

www.klownsasesinos.com

Tumba abierta

Portal de literatura, comics y cine de corte fantástico, bastante profesionalizado, de tal manera que dependen de la publicidad y venta de merchandising, pero cuentan con la ventaja de estar más metidos en el mundillo del género fantástico. De lo mejor de la web, los reportajes.

www.tumbaabierta.com

Pasadizo

Quizá la mejor web española de cine fantástico, aunque lejos del terror bizarro y lúdico al gusto de algunas webs más amateurs. Ésta, por el contrario, es profesional en el buen sentido de la palabra, con “buenas plumas” del fantástico español. Bueno, como siempre, depende del autor, podemos encontrarnos también al habitual crítico destructivo o perdonavidas y petulante. Pero en todo caso, es una web que enfoca con seriedad el género fantástico, o al menos con la seriedad que cada film requiere. Empaparse en los artículos y las críticas (siempre con reservas según quien escriba como ya he mencionado) de este portal es aprender mucho sobre la fantasía, la ciencia ficción y el terror en el cine.

www.pasadizo.com

Podría seguir comentando muchas más webs, pero he decidido resaltar más unas pocas, las he escogido dentro de las webs que actualizan regularmente según su popularidad. En otra ocasión dedicaré un artículo sobre los blogs dedicados al género fantástico, un mundillo (del que este blog forma) tan interesante como el de los portales de páginas webs. Con tanta información, el aficionado no tiene excusa para no adentrarse bien en el género.

- Paco Antequera.

Hay una cosa que pienso y que no sé si será compartido por muchos aficionados al género, y es la cierta analogía, cada una en su contexto, de las sagas Viernes 13 y Saw. Creo, por así decir, que Saw es el equivalente a Viernes 13 en el siglo XXI.

Está claro que muchos nos hemos iniciado en el género de terror con las películas de Viernes 13. Son películas de terror extremadamente efectistas, llenas de sustos y asesinatos, por lo que cuando uno no está muy iniciado en el género, le es muy fácil empezar por aquí, por el terror más obvio. Luego uno, o al menos yo, se da cuenta de que Viernes 13 no es ni mucho menos lo mejorcito del género, y que hay muchas cosas más interesantes. Algo así como el que empieza escuchando a un grupo de rock de moda y luego se da cuenta de que hay mejores bandas. Esto mismo creo que pasa con Saw (James Wan, 2004), un film que de tan sobrevalorado que está, llega a perder su encanto. Creo que ambos films cuentan con la ventaja de saber fagocitar el terror de vanguardia de sus respectivas épocas y transformar sus elementos en una “fórmula”, una fórmula muy rentable desde luego. Viernes 13 (Sean Cunningham, 1980) surgió muy influida por Halloween (John Carpenter, 1978) pero, podría decirse, que con una mayor autoconciencia como slasher, por eso sus influencias van desde Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) a La matanza de Texas (1974), en general es una especie de “recopilatorio” del slasher, centrándose en lo más puramente slasher, es decir, la atmósfera y las muertes, prescindiendo de mucho más argumento. Aunque para no extendernos en las influencias de Viernes 13, básicamente puede decirse que es una parte de Bahía de sangre (Mario Bava, 1971) extendida a toda una película. Estas influencias citadas son muy superiores a Viernes 13, pero el film de Cunningham es el que ha ofrecido mayores posibilidades de explotación comercial. Posiblemente influyen muchos factores para este éxito, y la suerte, el salir cuando tuvo que salir y darle al público lo que quería, es algo que está claro que debió influir, pues el film se convirtió en un inesperado éxito. Resulta curioso ver en los extras del DVD español en las entrevistas a quienes trabajaron en el film comentando esto, y cómo les sorprende el éxito de lo que pensaban que era una película mediocre. Realmente, nada de esto, pues Viernes 13 (1980) contó con una inspirada realización de Cunningham en la que todo está donde debe estar, una terrorífica ambientación bosqueja, una banda sonora inquietante y, quizá el factor determinante del éxito, unos extraordinarios diseños de los asesinatos por parte de Tom Savini. Viernes 13 se colocó como la parte más sangrienta del slasher, y si bien es verdad que había algún que otro slasher tan sangriento como Viernes 13, el excelente trabajo de Tom Savini es lo que pudo marcar la diferencia, es posiblemente lo que hace más singular a Viernes 13 con respecto a sus influencias, lo que hizo que fuese el slasher que más puso de moda el género, con la avalancha de los 80. El declive del cine de terror en los 90, haciendo que los aficionados que tenemos menos de 30 años hayamos empezado siendo “ochenteros”, hizo que las películas de Viernes 13 fueran la cara más visible del cine de terror. Para los más jóvenes seguramente las películas de Saw serán algo del estilo.

Saw (James Wan, 2004), al igual que Viernes 13 (Sean Cunningham, 1980), se influyó del terror más moderno. Viernes 13 recogía la estética sucia de los 70, de la misma manera que Saw absorbe la estética gore sofisticada y “videoclipera” de Seven (1995). Viernes 13 se encuadra en un género que cada vez estaba más de moda, el slasher, mientras que Saw hace lo propio con el cine de torturas, género del gore que en los 90 volvió a cobrar fuerza (como mejor ejemplo tenemos la Categoría III), y que ante el resurgimiento del terror-gore en EEUU, no era descabellado del todo que el género pudiese llegar a calar en ese país, aunque sí hay que reconocer que es más sorprendente su éxito, y además puede decirse que Saw (James Wan, 2004) fue más original, ya que mezclaba el thriller oscuro a lo Seven (1995) con el gore de torturas, siendo el resultado mucho más complejo que el de los Viernes 13. Pero no es únicamente el hacer gore con un guión más complejo lo que le dio impulso a Saw. Diría que, de la misma manera que Tom Savini le dio el mayor distintivo a Viernes 13 con el “creativo” diseño de sus muertes, puede decirse que a Saw se lo dan sus trampas, lo que la hace más peculiar con respecto al resto del cine de torturas. Esto se debe, principalmente, a su influencia de Cube (Vincenzo Natali, 1997), de la que toma el punto de partida claustrofóbico de unos personajes encerrados en cuatro paredes y la posibilidad de salir superando la prueba correspondiente. De la misma manera que la saga Viernes 13 evolucionó centrándose sobre todo en las muertes y el splatter, la saga Saw evolucionó centrándose más en las trampas y el gore. El fenómeno de Saw, puede decirse, es muy comparable al de Viernes 13, y de ambos sagas pueden establecerse semejanzas y diferencias tales como las siguientes:

SEMEJANZAS

- La primera semejanza es clara: ambas se han convertido en prolongadas sagas. Más coherente como tal la de Saw, aunque a mi juicio, la primera película de ambas es la única realmente muy destacable. En cada película hay referencias a las anteriores, aunque desde luego los flashbacks de Saw son más recurridos por ser más importantes en la compleja trama.
- Otro aspecto claro es la pertenencia al género psychokiller de ambas sagas, si bien Jason Voorhees y Jigsaw son dos psicópatas muy diferentes, aunque ambos iconos de diferentes épocas.
- Los mótivos de ambos psicópatas comparten mucho de resentimiento, y puede decirse que ambos castigan el pecado, aunque en Viernes 13 se centren en el hedonismo juvenil (sexo y drogas) mientras que en Saw vayan desde “pecadillos” poco importantes hasta cosas más graves.
- La muerte no acaba con Jason y Jigsaw. En el caso del primero por ser un ser sobrenatural, lo que da pie a los guionistas a que se inventen diferentes formas de que Jason regrese, y en el caso de Jigsaw por la planificación de “su obra” que puede seguir llevándose a cabo tras su muerte.
- Ambas sagas destacan por el diseño de las escenas gore, el diseño de las muertes. La saga Viernes 13 supuso la máxima explotación del destrozo del cuerpo humano mediante todo tipo de herramientas, desde cuchillos hasta sierras eléctricas. Saw añade un concepto más creativamente perverso mediante las trampas, lo que ha supuesto una revitalización del gore.
- Las dos sagas se influyen del terror más moderno, en su momento Viernes 13 de la estética sucia de los 70 y el splatter, y Saw del gore sofisticado y el videoclip.

DIFERENCIAS

- El hecho de que Viernes 13 sea slasher hace que haya más un “aquí te pillo aquí te mato”, es decir, Jason pilla desprevenidas a las víctimas y las mata rápidamente, aunque también, como es habitual en el slasher moderno, hay posibles víctimas acechadas que tienen la posibilidad de escapar. Saw tiene esta influencia del slasher, momentos acechantes sobre las víctimas, aunque no son asesinadas al instante, a diferencia del slasher convencional, sino que son capturadas y su muerte se produce estando indefensas, al no superar la prueba de la trampa.
- Mientras Jason Voorhees en vida era un niño con retraso mental y tras su resurrección es un autómata asesino, John Kramer (alias “Jigsaw”) es un brillante genio. Jason se basa en la fuerza bruta, mientras que Jigsaw en la inteligencia.
- Jason es derrotado en sus películas, mientras que Jigsaw es más listo que sus víctimas y consigue lo que se propone.
- Viernes 13 se encuadra en el terror sobrenatural mientras que en Saw no hay estos elementos, se ciñe a la realidad.
- La saga de Jason Voorhees es de carácter juvenil, es el gran icono del terror adolescente, mientras que Saw es terror adulto.
- Mientras Viernes 13 representó la reducción del cine de terror a la estructura más simple, a un bodycount en donde entre muerte y muerte se rellena con sexo, Saw sin embargo puso de moda en el terror-gore argumentos más complejos, y no se incluye sexo, no hay erotismo.
- Jason “trabaja” sólo, mientras que Jigsaw necesita de “discípulos”, algo introducido en las secuelas.
- Viernes 13 se caracteriza por sus escenarios abiertos, aún cuando de vez en cuando jueguen con escenarios cerrados (cabañas, tiendas de campaña, etc.), mientras que Saw se desarrolla exclusivamente en escenarios muy cerrados, prácticamente claustrofóbicos.

Esta comparación puede servir, quizá, para ver cómo han cambiado las cosas en el cine de terror, a la vez que vemos que ciertas cosas permanecen similares. De la misma manera que los de nuestra generación nos hemos iniciado con films como los de Viernes 13, los jóvenes que serán aficionados al género se iniciarán con películas como las de Saw. Además, rompiendo el tópico entre muchos aficionados de que “el terror de antes era mejor”, al menos en este ejemplo concreto, creo que los Saw son films superiores a los Viernes 13, y además son tanto más inteligentes, aunque esto no sea precisamente muy difícil, como más bizarros, por lo que favorecerán que haya espectadores más curiosos y abiertos ante diferentes obras del cine de terror.

- Paco Antequera.

Un director de serie Z galardonado en los Premios Goya. Esta imagen tan delirante tuvo lugar en la 23 edición de los Premios Goya con el Goya de honor para Jesús Franco, un reconocimiento tan insólito como merecido por parte de una industria que siempre ha despreciado el cine de género. A Jesús Franco es al primero al que los premios hace mucho tiempo le dan igual, pero no puede negarse lo positivo que resulta para el género español, un reconocimiento que llega tarde y que nunca se les dio a directores ya fallecidos como Amando de Ossorio y Carlos Aured. Por eso, aunque no comparta del todo la filosofía de Jess Franco, sin dejar de reconocer que es el rey del sexploitation español (y, quizá, mundial), sí me agrada el tardío reconocimiento que la academia se ha dignado a conceder.

El cine fantástico español ha tardado bastante en volver a resurgir, se podría decir que venía luchando de nuevo desde los 90 hasta que en los 2000 volvió a encontrar un hueco, y poco a poco la industria y la propia academia están cambiando sus prejuicios. Es difícil que la cantidad de producciones de género fantástico se incremente sustancialmente en España, pero al menos existe la posibilidad de que este “mini-boom” de los 2000 quede consolidado. España no alcanzará un masivo número de producciones al estilo de Estados Unidos, la Italia de hace décadas o países con muchas caspas como Filipinas, lo cual tampoco es deseable, más bien España se ha instaurado en un género más “serio”, a diferencia del fantástico español de los 70, más al estilo de Francia, país que tampoco tiene demasiadas producciones de género sino sólo un pequeño número al año pero con un buen nivel de calidad.

Los thrillers de ciencia ficción Los cronocrímenes y 3 días, realmente dos de las mejores películas españolas del 2008, pasaron discretamente por la ceremonia, la primera sin premios y la segunda ganando en una de las categorías menos relevantes, únicamente las ajenas al fantástico Los crímenes de Oxford y Sólo quiero caminar, debido a la consolidación que tienen sus directores, hicieron más visible el cine de género por su cantidad de nominaciones, dejando patentes los prejuicios que reinan en la academia, aunque al menos el género y el fantástico poco a poco van empujando. Al menos la “ganadora de la noche” fue Camino, una película con estilo y cierto riesgo.

Este video recoge el momento de la entrega del Goya de honor.

- Paco Antequera

Al muy reducido grupo de lectores habituales del blog (por ahora, algún día conquistaremos el mundo) os deseo felices fiestas y que tengais un muy buen 2009.

Por mi parte, con respecto al blog, aunque no ha crecido ni en contenidos ni en visitas, a mí me sirve para aprender sobre el cine de género escribiendo e investigando sobre éste, así que estoy satisfecho con él. Aunque quizá en 2009 participe como colaborador en una web o blog, pero lo que tengo claro es que éste será el blog en el que escribiré lo que quiera, el más personal, ya que en el otro blog publicaría artículos bajo una determinada "línea editorial".

La luz esta Navidad nos llega desde Grecia y esperemos que se extienda por todo el planeta. Así que aquí quedan mis buenos deseos, que no son precisamente de paz y amor para todos.

Respecto al cine, este 2008 nos ha dejado cosas interesantes, no haré un repaso porque los habría mejores por la red, eso sí, el 2009 tiene pinta de que, quizá, sea mejor, esperemos que así sea y sigamos disfrutando de nuestro querido séptimo arte.

Lo dicho, felices fiestas.

- Paco Antequera

Muchas veces es más definitoria la ideología de un individuo o, por así decir, su forma de entender el mundo, lo que necesariamente no tiene por qué estar apegado a la política. Más que el “yo voto a tal” o “todos los políticos son unos sinvergüenzas y por eso paso”, puede decirnos más de la ideología, de la moral y ética y la forma de entender la sociedad de alguien otros aspectos como sus gustos, pues los gustos son, al fin y al cabo, inquietudes, por muy lúdicas que puedan parecer. Mediante esta consideración he pensado sobre cuál es la forma de enfocar mi mayor afición, el cine, según la ideología de cada cual, o podría decirse al revés, cómo un determinado gusto cinematográfico nos puede instar a relacionarlo con una determinada forma de pensar o ideología. Más concretamente, en este artículo quiero exponer mi opinión sobre la forma de enfocar el cine que tienen los derechistas, y es que el cine, como parte importante de la cultura y del arte que es, está muy presente para la izquierda, pero es algo que parece resultar más secundario para la derecha, sin embargo la derecha, desde el principio de la civilización (es decir, antes de ser denominada oficialmente así, al tener los reyes e imperios la hegemonía absoluta), ha tenido una manera de entender el arte.

Si algo caracteriza el arte al gusto de la derecha es su carácter anti-popular. Su elitismo, lo que ahora llamamos esnobismo (éste último, en su carácter liberal, a veces se camufla de progresía), con lo que no todos pueden acceder al arte. Históricamente, uno de los ejemplos más significativos es el arte eclesiástico mediante la arquitectura (y otros, como la pintura, con la Capilla Sixtina como buen ejemplo, o la escultura con sus Cristos, vírgenes y santos), desarrollado sobre todo cuando más se reprimía el arte popular. No hay que echarle la culpa a los diversos tipos de arte por ser unas veces más populares y otras veces más elitistas, es decir, si antes el teatro era popular, no hay que culpabilizarlo del elitismo que ha tenido en ocasiones. El arte, como expresión de sentimientos e incluso pensamientos del ser humano, es de gran importancia en la sociedad, y por ello las diversas ideologías lo tienen en cuenta y la derecha sabe del peligro que para ella esto puede suponer, pues huelga decir que cuando la izquierda se encuentra en condiciones parecidas a las de la derecha, no suele tener muchos problemas para derrotarla (también huelga decir que raramente suelen darse estas condiciones). Por ello, mientras en los absolutismos se utilizaba la prohibición, con la llegada de la democracia representativa (un enorme logro entonces para la izquierda, hoy algo de lo que ir más allá incluso para la izquierda moderada), es decir, con el capitalismo, se estableció la concepción del arte que existe hasta hoy día; el de un negocio.

Esto es algo que, desde el primer momento, se ha podido constatar en el cine, el cual en sus comienzos fue desdeñado, precisamente, por su carácter popular, por la posibilidad que tenía de llevar con facilidad unas determinas obras (las películas) a muchos lugares, hasta que el cine fue aceptado por las elites y adoptado al gusto de éstas. ¿Cuál es la forma de entender el cine que tiene la derecha?, su forma de entender el cine reside en la figura del productor, que viene a ser el propietario de un medio de producción, el que obtiene beneficios de algo en lo que no ha trabajado pero que “le pertenece” en tanto haya invertido capital. Que las películas “son de los productores” es algo tristemente tan establecido que en las ceremonias de premios el galardón a mejor película es recogido por los productores. Esto es especialmente notorio en el cine de Hollywood, sin duda la cuna del “cine capitalista”, donde se intenta reducir la figura del realizador o director, es habitual que los directores sean meros artesanos cuyo estilo queda muy diluido, y es que el proyecto es llevado a cabo por los productores, eligiendo a su gusto un determinado director cuando la preproducción ya está avanzada y apartándolo cuando ya ha terminado el rodaje, a veces sin dejarle estar presente durante el montaje. A veces, incluso un director retoma el trabajo donde lo dejó otro, uno empieza la preproducción, lo echan y otro hace el rodaje y si los productores lo consideran conveniente ponen a otro durante el montaje. La principal ventaja de Hollywood son sus altos presupuestos, por eso incluso sus películas más nefastas cuentan con una factura técnica de calidad. Quizá por ello, la considerada “edad dorada de Hollywood” fue aquella en la que sus altos presupuestos, es decir, sus superproducciones, les permitían hacer un cine que no se podía hacer en el resto del mundo. De todas maneras, Hollywood se ocupa de contratar a los mejores profesionales que puede, por ello en sus films hay artistas y técnicos de diversas partes del mundo en las labores más importantes. Se dice que los maestros del cine son los estadounidenses pero cabria preguntarse si sería así de no ser por la “inmigración cinematográfica” de la que han gozado desde siempre. En todo caso, el cine de EEUU no se limita al de Hollywood, distrito de Los Ángeles donde se ubica la industria del cine más poderosa de EEUU, y la realidad del cine no es la de Hollywood, pero es tal la invasión del cine hollywoodiense en el resto del mundo que para el espectador medio pareciera que sólo existiese este cine y lo demás fueran casi “rarezas”.

Cuando las élites no pueden gozar con exclusividad de una forma de arte, lo que hacen es banalizar este arte, y ante la inevitable popularidad del cine, esto es lo que, por desgracia, decidieron hacer con éste. Podría decirse que tanto el cine como la música son las dos formas de arte que la industria más ha conseguido banalizar, o como también me gustaría decirlo, ‘atontar’, pues no es que el público demande estupideces, es que lo inteligente, aún cuando consiga vender, no gusta a la industria porque desarrolla un sentido crítico. Nuestro querido cine de género ha sido utilizado por la industria principalmente para evadir al espectador, ya desde los tiempos de las películas de aventuras de capa y espada. O, en el peor de los casos, para establecer rasgos conservadores, es el caso del western y su apología del autoritarismo, o a día de hoy del policíaco moderno y del cine de acción. Normalmente, cuando una película pretende comunicar un mensaje derechista al espectador, son ideas que se dan por sentado. Se da por sentado que los indios son los malos, o a día de hoy se da por sentado que “los terroristas” son los malos, y lo entrecomillo por la peligrosidad de esta definición en la que cabe básicamente un amplio espectro de enemigos del imperialismo estadounidense. Pero el sheriff, el policía, el militar o el FBI son indiscutiblemente los buenos, por supuesto. Como señalé antes, la situación del arte no le es indiferente a ningún movimiento político incluida la derecha, por ello en los 80, con Ronald Reagan, que sabía de esto, primó el cine de entretenimiento, y el cine de acción fue un buen ejemplo de la ola reaccionaria de entonces. En los 90 redujeron el ‘tono agresivo’ por el contexto político, pero la banalidad, quizá, incluso se incrementó. Conste que disfruto con el cine de género evasivo, incluido el cine facha de acción de los 80, pero también señalo que las raíces del cine de género no son éstas, al contrario, aunque las productoras utilicen el cine de género como entretenimiento evasivo, los autores más importantes lo utilizan como forma de expresión. De todas maneras, como ya he dicho sé disfrutar de muchos tipos de cine, y esto es algo que no hace el derechista, ya sabemos que en España, por ejemplo, mucha gente no ve películas de Javier Bardem, aún las que no tengan ningún tono explícitamente político, sólo por las ideas políticas del actor. A mí no se me ocurriría dejar de ver las películas de Alfred Hitchcock sólo por su postura pro-estadounidense (la cual supongo por su propio cine).

Ya que he mencionado a un actor español, cabe hablar de cómo están las cosas aquí con la polémica de las subvenciones, algo que debería ser básico en un, según la propia Constitución, supuesto “Estado social de derecho”, es decir, donde se aplica una política social en la educación, la sanidad y la cultura. Se supone. Se subvencionan orquestas de música, se subvencionan ballets, se subvencionan exposiciones, se subvenciones ferias del libro, etc. Otra cosa es cómo deberían ser las subvenciones, ya que en el cine se subvenciona como si de inversiones se tratase, es decir, esperando obtener beneficios, por ello se subvenciona sobre todo el cine español más comercial, cuando se debería fomentar el arte más arriesgado, innovador e inteligente. Para el derechista, sólo el mercado debería determinar la situación del cine español, pero precisamente esto hace que el cine español no luche en igualdad de condiciones con el estadounidense. Es decir, lo que yo defiendo no se trata de imponer películas que no le gusten a la gente. Pero si por el de derechas fuera, la industria del cine español estaría raquítica (si, en cierto modo, no lo está ya). Sin intervención o protección, sólo se puede competir con el cine de EEUU cuando se le gana con sus mismas armas, es decir, cuando hay un auge dentro del propio capitalismo. Es lo que pasó en la Italia de los 60 y 70, pero en cuanto este país decreció en su “poderío económico” (lo que no quiere decir que la ciudadanía tuviera un buen nivel de vida como no lo tiene la estadounidense siendo la “primera potencia mundial”), aún sin que haya dejado de ser uno de los países más influyentes del mundo, entonces su industria se fue a pique. No porque su cine dejara de gustarle a la gente. Sencillamente, volvía a ser menos rentable. Otro ejemplo podría ser la industria del cine de la India, llamada Bollywood por su similitud con Hollywood, no cultural sino en la forma de entender el cine, es decir, primando el entretenimiento y, con ello, la evasión, por eso abundan los musicales, sin que quiera como señalé antes, demonizar ningún género, pero está claro que la industria india busca ante todo un tono lúdico y con ello evasivo. Europa, verdadera cuna del cine, se encuentra a día de hoy en una situación delicada, y aunque a muchos (al patrioterito español que sin embargo odia el cine español por ser tal) les suene gracioso, España destaca en el continente con mejor cine, simplemente por tener una protección mayor que países como Inglaterra, de la que puede considerarse un caso parecido al italiano, aún con su poderío, su industria cinematográfica en ocasiones es discreta y, muchas veces, se “salva” por las coproducciones con EEUU. No es que en España se proteja especialmente el cine patrio, pero se pueden ver los resultados en comparación con otros países. No por casualidad, Francia, uno de los países en donde más se protege a su cine, goza de bastante estabilidad y gran nivel de calidad.

Por desgracia la derecha ha conseguido con creces su objetivo respecto al cine, siendo para la mayoría de la gente un producto de consumo rápido, llegando a parecer el cine europeo, a ojos del propio público masivo de Europa, como pedante, pretencioso, exclusivista y aburrido. Ver el nivel de estupidez en la cartelera propiciado por el cine de EEUU y cómo sus películas son las más vistas resulta desolador. En otras formas de arte el público tiene en cuenta al autor para acercarse a sus obras, si un cuadro es de Velázquez o de Goya, mientras que en el cine, reducido a mero negocio para la mayoría, es “una película de Brad Pitt” (producto del “Star System” estadounidense), o hasta “una película de la Warner”, desdeñando a directores y demás creadores. Las series de televisión son un buen ejemplo de la manera en que para la derecha debería hacerse el cine, y es que mientras en el cine hay espacios alternativos o industrias para cine con menos presupuesto, en la televisión las audiencias determinan de mayor manera lo que se hace o no, y es que la serie de televisión exige una continuidad y, por ello, el público debe respaldarla día a día o semana a semana, además de que la serie de televisión está bajo la tiranía de la cadena de turno, es decir, tiene un canal de exhibición más restringido que el del largometraje de cine. Por ello, la figura del productor es diferente en la serie de televisión que en la de una película. Normalmente, el creador de una serie intenta ser el productor para tener un importante control creativo de ésta, pero muy supeditado a la audiencia, por eso las series evolucionan de manera tan cutre, porque se adaptan a las demandas del público. Frente a esto, la libertad creativa y de expresión, el riesgo e innovación artística y la variedad es algo por lo que la izquierda debería apostar, puesto que no va a ser la derecha la que tolere la pluralidad cinematográfica. No es malo ver cine de entretenimiento, yo soy gran defensor de éste ya que por algo hago este blog, mientras trate con inteligencia al espectador, claro. Lo malo es que del cine de entretenimiento y, sobre todo, del más banal y estúpido, muchos no vayan más allá.

- Paco Antequera

Lo primero que hay que hacer al ver los films de Hellboy es olvidarse del estupendo comic de Mike Mignola, pues el tono es diferente. Mientras el comic se trata de, como es habitual en el comic estadounidense (o al menos el más comercial, con el de superhéroes como máximo exponente), una obra pulp, que mezcla elementos tales como la acción, la fantasía, la ciencia ficción y el terror, la adaptación cinematográfica se trata de una fantasía más edulcorada con elementos de acción, romance y comedia para conquistar al gran público. Se trata de un blockbuster, con las limitaciones que ello conlleva. Así pues, mientras que la industria se sirve de un film ameno lleno de acción, para Del Toro es un paso más en su fantasía neogótica.

De hecho, con Hellboy 2 Guillermo Del Toro continúa explorando su imaginario de fantasía extraña. Mientras en su anterior película, El laberinto del Fauno (2006), la fantasía estaba muy contenida, en Hellboy 2 ésta se desborda (hasta caer, de hecho, en el “exhibicionismo”), aprovechando lo hecho en su anterior film, donde alcanzó una gran entidad visual, y éste es el punto fuerte de Hellboy 2, su potente apartado visual, una auténtica exposición “Del-Toriana”. Así pues, no puede negarse la importancia de la película en la obra del autor, aunque dentro de su estupenda filmografía ocupe un lugar discreto, y es que si Mimic (1997) es posiblemente su obra más menor, sus Hellboy se sitúan en su nivel medio, lejos de su díptico sobre la Guerra Civil Española y, desde luego, de su ópera prima Cronos (1991).

Como en su fondo se trata de un film tan convencional, en la forma Del Toro explota al máximo la estética, los diseños y la puesta en escena, pero en lo demás sigue plegado a los convencionalismos de las películas que buscan ser taquilleras, con un molesto halo de intrascendencia, desaprovechando unos personajes que podían haber dado mucho más de sí. Al final todo se reduce a un previsible encadenado de escenas de acción donde lo demás está plagado de incoherencias y una narración que avanza a trompicones. Como film de acción y de fantasía resulta intrascendentemente entretenido, para “pasar el rato”. Y nada más. El problema es que no nos conformemos con tan poco. [5,5]

- Paco Antequera

El slasher es un subgénero del psychokiller o cine de asesinos psicópatas. Slasher significa algo así como “acuchillador”, pues un asesino, generalmente enmascarado, mata con un cuchillo u otras armas a sus víctimas. Hasta la aparición del slasher, el género psychokiller estaba ligado sobre todo al thriller policíaco y al terror psicológico, pero el slasher fue el género que incorporó una explícita violencia brutal en el cine de psicópatas. Antes cuando se producía un asesinato, se rodaba de manera muy funcional, pero en el slasher el rasgo más fácilmente reconocible es su manera de rodar los asesinatos. Aunque existen puntuales momentos antecesores en algunas películas, realmente la primera película con estas características fue Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960), un film cuyas influencias partían del terror psicológico pero que incluía importantes elementos de terror físico que la convertirían en la génesis de este género. Se pone en duda si esta película es un slasher o sólo un antecesor a éste, muchos consideran como slasher clásico las películas hechas desde Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) hasta Halloween (John Carpenter, 1978), ésta última considerada la precursora del slasher moderno (siendo para algunos puristas el primer slasher), sentó las bases del slasher que se puso de moda desde entonces, la mayoría de veces pasando a formar parte del terror adolescente, llegando a ser uno de los géneros del terror más exitosos de los 80.

Por tanto, tras Halloween (John Carpenter, 1978) podemos considerar que las características completas del slasher son el asesino enmascarado (la máscara se ha convertido en la iconografía más identificable del slasher moderno) con un arma blanca como por ejemplo un cuchillo (nunca armas de fuego) que va matando brutalmente a los personajes, muchas veces adolescentes “desmadrados” (no suelen faltar abundantes toques de erotismo), con asesinatos vistosos, puede que no se sepa hasta al final la identidad del asesino pero, al contrario que en el giallo, a veces suele saberse y la cuestión no está en quién es el asesino sino en quién sobrevivirá, ya que los personajes suelen estar durante todo el film, desarrollado en un limitado periodo de tiempo, en un determinado escenario, normalmente urbano pero también otros mientras sean escenarios aislados, y van cayendo uno a uno, en muchas ocasiones quien queda es la “final girl”, ya que en los slashers muchas veces quien sobrevive hasta el final es una chica que se enfrentará en un ‘duelo’ con el psicópata, este protagonismo femenino hizo que se acuñara el término “Scream Queen”, las “reinas del grito” son actrices a las que se les llama así por su buena interpretación de chica asustada que grita, el asesino se representa como si fuera una figura sobrenatural con una acechante presencia “fantasmal” y se adelanta a los movimientos de los protagonistas.

ALGUNOS DATOS

Para comprender los orígenes y la naturaleza del slasher conviene conocer los siguientes términos:

Psychokiller

Dentro del thriller criminalístico se encuentra el cine de psychokillers o serial killers, fue tomando tal importancia que se terminó acuñando el término psychothriller para estas películas. Hay que tener en cuenta que no es lo mismo una película de un psicópata que de un asesino psicópata, de la misma manera que incluso un asesino en serie no tiene por qué ser lo mismo que un asesino psicópata. Sin embargo, con el tiempo fue primando en el cine el lado asesino de los psicópatas, y, realmente, el psychokiller se terminó dando sobre todo en el thriller de terror, y dentro de este género nos referiremos a las distintas películas. Algunos films antecesores del psychokiller fueron las obras de horror gótico El fantasma de la Ópera (Rupert Julian, 1925) y Los crímenes del museo (Michael Curtiz, 1933), pero la que sentó una importante influencia en el género sería la biográfica M, el vampiro de Düsseldorf (Fritz Lang, 1931), película que sigue los pasos de un asesino en serie de niñas, esta película se convertiría en gran referencia para los films que pretenden establecer un retrato del psicópata, en esos primeros años del cine sonoro también surgió la película de aventuras El malvado Zaroff (Ernest B. Shoedsack e Irving Pichel , 1932), en donde un demente millonario se dedica a cazar náufragos, film distanciado de la línea psicológica que predomina en el cine de psicópatas.

Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) supuso un nuevo punto de inflexión, siendo quizá la película más emblemática del psychokiller. En aquella época la figura del asesino en serie empezó a cobrar mayor “popularidad”, lo que sin duda favoreció el éxito de este tipo de películas. Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) estaba basada en una obra literaria que, a su vez, tenía su inspiración en el psicótico (que no psicópata) Ed Gein. Su influencia en el thriller y el terror es enorme, siendo la madre del slasher, género comentado en los demás apartados del artículo. Uno de los psychokillers más influyentes de los últimos tiempos fue El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991), que inauguró el thriller oscuro de los 90.

Bodycount

Un bodycount, “cuenta de cadáveres”, es una película cuya trama transcurre con las sucesivas muertes de los personajes protagonistas y, de hecho, el slasher fue uno de los grandes impulsores de este tipo de películas. Se dice que la obra literaria Diez negritos (y sus adaptaciones cinematográficas) fue precursora de esto. Hay muchos tipos de cine de terror, sobre todo desde la implantación del terror moderno, basados en el bodycount, por ejemplo las monster movies, que además recibieron influencia del slasher con películas como ¡Estoy vivo! (Larry Cohen, 1974), Tiburón (Steven Spielberg, 1975) y Alien (Ridley Scott, 1979).

Terror adolescente

Es el cine de terror protagonizado por adolescentes y, muchas veces, dirigido a adolescentes. Aunque existen antecedentes especialmente desde los años 50, empezó a formarse tal y como se le conoce en los años 70, con películas como Carrie (Brian De Palma, 1976), y el slasher sería el principal impulsor de este género del terror que dominó los años 80.

HISTORIA

La historia del slasher empieza en los 60, aunque hay quien considera que empieza en los 70 y quien considera que empieza a finales de esa década, pero en todo caso antes de los 60 no puede hablarse de slasher, sólo hay alguna película, generalmente psychokiller, con algún momento antecesor de lo que sería el slasher, por aventurar pueden nombrarse algunas películas como El asesino diabólico (A. Edward Sutherland, 1933), El asesino vive en el 21 (Henri-Georges Clouzot, 1942) y La garra escarlata (Roy William Neill, 1944), pero para hablar realmente del género y su desarrollo hay que tratar desde los 60 hasta la actualidad:

Años 60: slasher clásico

Además de ser uno de los más grandes iconos del cine de terror, Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) es el germen del slasher. Hasta entonces, Hitchcock se había acercado pocas veces al terror, quizá porque por entonces primaba más la figura del monstruo en el género y eso le interesaba menos, pero Las diabólicas (Henri-Georges Clouzot, 1955) impresionó al realizador inglés, entonces buscó material para hacer algo del estilo, un thriller lleno de tensión e inquietud. El cine de Hitchcock siempre fue muy americano para ser inglés y muy inglés para ser americano, en parte por ello su thriller nunca recurrió a un policiaco enrevesado y, además, el estilo del director se caracterizaba no por contar con espías profesionales en sus películas de espionaje o policías en sus thrillers criminalísticos, sino por contar con una persona común envuelta por azar en una determinada trama. Así pues, en Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) era una mujer la que, como en muchas películas de Hitchcock, se encuentra perseguida. Sin embargo, Hitchcock juega con maestría con el espectador, y lo que en su primera parte es un intenso thriller al genuino estilo del realizador, después, cuando la protagonista llega al motel, se convierte en un perturbador terror psicológico. Hay quien sin embargo no considera este film de terror psicológico, pues Hitchcock introduce una violencia gráficamente brutal para la época que reduce las raíces psicológicas del filme. La inclusión de estos impactantes elementos de terror físico la convierten en involuntaria progenitora del slasher.

Una de las escenas más emblemáticas del cine de terror, el asesinato en la ducha de Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960), supone la definición más elemental del slasher, es decir, la de un psicópata al que no se ve muy bien (luego vendrían las máscaras para contribuir en la despersonalización) con un arma (generalmente arma blanca, también otras pero nunca armas de fuego) que acecha, aparece matando a la víctima, y desaparece, rodando con creatividad el asesinato, esto terminaría siendo “la salsa” del género, el diseño de los asesinatos. Era ésta una película arriesgada por lo que no contó con demasiado presupuesto, para abaratar costes Hitchcock rodó con su equipo televisivo de Alfred Hitchcock presenta (1955-1965) y posiblemente al realizarla en blanco y negro pudo introducir sangre en el asesinato de la ducha. Los responsables de esta escena fueron Saul Bass, diseñador de los rótulos del film, Bernard Herrmann, compositor de la banda sonora, y por supuesto Alfred Hitchcock, virtuoso director que supo realizar una planificación asombrosa e impregnó de angustiante suspense la violenta escena. Tardó 7 días en rodarse, con aproximadamente 70 posiciones de cámara durante los 45 segundos que dura en el metraje, un meticuloso trabajo con el que la actriz Janet Leigh cogió miedo a ducharse el resto de su vida. El segundo asesinato del film también está brillantemente realizado, y es que esta película puso el listón muy alto, siendo el modelo a seguir y, aún hoy, una gran influencia para el slasher y en general para el cine de terror.

Otra película influyente fue la inglesa El fotógrafo del pánico (Michael Powell, 1960), narrada desde el punto de vista de un psicópata voyeur, fue la precursora del slasher que seguía los pasos del asesino, realmente lo más cercano al slasher conveniconal se encuentra en su escena inicial, con el tiempo las escenas de apertura con un asesinato se convertirían en algo habitual en muchos slashers. Pero en esta década el slasher era escaso y, sobre todo, se trataban de films que seguían la línea de Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960), como las estadounidenses Homicidio (William Castle, 1961), considerada la mejor película de esos años inspirada por la película de Hitchcock, en la que no falta la capacidad imaginativa y efectista de Castle con respecto al espectador, y Demencia 13 (Francis Ford Coppola, 1963), entre Las diabólicas (Henri-Georges Clouzot, 1955) y la obra de Hitchcock, de la ‘factoría’ de Roger Corman, éste exigió más violencia lo que la hizo sorprendentemente adelantarse a su tiempo. Aunque para violencia la de Blood Feast (Herschell Gordon Lewis, 1963), mediocre película que únicamente destaca por ser la precursora del gore. En Inglaterra cabe destacar Nervios rotos (Roy Boulting, 1968). De otros países destaca en Italia el giallo fundacional Seis mujeres para el asesino (Mario Bava, 1964) y en Alemania el krimi El encapuchado (Harald Reinl, 1965).

Giallo

Puede considerarse el giallo como una ramificación del slasher clásico, sin embargo para distinguirlo del slasher moderno se separa el término giallo del slasher. Llamado también “thriller a la italiana”, giallo significa amarillo, nombre que se acuñó para unas novelas policíacas por sus cubiertas amarillas. Hay que señalar que no existe una equivalencia entre el giallo literario y el cinematográfico, pues mientras el primero se refiere al habitual suspense enrevesado, el segundo lo hace al thriller de terror y, más concretamente, al encuadrado en el psychokiller. Las influencias del cine giallo son el krimi (que englobaba a su vez otras importantes influencias del giallo como son el suspense al estilo inglés con whodunit y el cine negro) y el cine de Alfred Hitchcock, incluyendo por supuesto Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960). Como en el cine del realizador inglés el protagonista no es un policía o detective sino una persona común. También hay influencia del surrealismo, pues fue un género vanguardista.

El creador del giallo es Mario Bava, que ya hizo el film más directamente antecesor del género, La muchacha que sabía demasiado (Mario Bava, 1962), que cuenta con muchas de las características que serían habituales, así pues se narra una historia de rasgos “hitchcocknianos” en la que una persona por casualidad ve algo al principio del film que será clave para la investigación pero no lo puede recordar bien, con lo que además se crea una atmósfera onírica, el protagonista se implicará al margen de la policía ante la ineptitud de ésta, la estructura será de whodunit, se incluyen elementos de erotismo y el asesino puede que se comunique con las posibles víctimas para asustarlas, sea por teléfono o, como en este caso, con grabaciones, contribuyendo a crear un clima acechante. Pero realmente el primer giallo fue Seis mujeres para el asesino (Mario Bava, 1964), ambientado en Alemania quizá por la moda del krimi, al igual que la antes mencionada película de Bava está basada en un suspense de whodunit y con aire de erotismo, pero muestra ya una serie de sádicos asesinatos con una belleza plástica inusual en la época, cobrando la mayor importancia la puesta en escena en detrimento del guión, que en este caso presenta una estética de contraste de colores vivos, hay una atmósfera onírica de influencia surrealista que utiliza maniquís (o en otras películas, muñecos) como símbolo de la despersonalización de los sueños y referencia inerte a la muerte, como en el suspense inglés la trama transcurre en un ambiente elitista pero con el matiz de que existe una relación con el arte (en esta película, un salón de moda), las víctimas suelen ser femeninas, estableciendo una relación entre la misoginia, el sexo y la muerte (aunque esto fuera malinterpretado por muchas machistas películas derivativas), y el asesino tiene una presencia fantasmal, apareciendo únicamente para matar en escenarios vacíos (sólo víctima y asesino), yendo muy cubierto de ropa para que su identidad permanezca secreta, en esta película como en muchos gialli va vestido con gabardina y sombrero, como era habitual en muchos krimi, pero además va también enmascarado. También suele llevar guantes negros de cuero y utiliza armas blancas u otros instrumentos pero nunca armas de fuego.

La película que más “oficializó” el género fue El pájaro de las plumas de cristal (Dario Argento, 1970), considerado el giallo más importante e influyente. Recoge las influencias tanto de La muchacha que sabía demasiado (Mario Bava, 1962) como de Seis mujeres para el asesino (Mario Bava, 1964), presentando a un asesino algo voyeur cuyos actos comete por un trauma, haciendo utilización de planos subjetivos, tanto para crear un ambiente acechante como en muchos planos de los asesinatos, siendo la película que determina el estilo y la puesta en escena del género. La época más fructífera del giallo fue a principios de los 70, de la que cabe destacar en este artículo por su influencia en el slasher moderno Bahía de sangre (Mario Bava, 1971), que incorporó al género grandes cantidades de gore, y es que el giallo era más violento que el slasher de su época. De este film cabe destacar la habilidad de Mario Bava para, tras crear el género, saber ser rupturista con éste y sorprender. Se dice que el giallo murió cuando nació el slasher moderno, porque a finales de los 70 el giallo se basaba en películas exploit de violencia y sexo diluyéndose la elegancia anterior, el boom del slasher moderno y también el declive del cine de género italiano contribuyeron a que se acabara la corriente. Tenebre (Dario Argento, 1982) es considerada la película que cierra el ciclo del giallo quizá porque es un homenaje al género.

Años 70: la evolución del slasher

La influencia de Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) seguía muy presente pero en esta década hubo una gran evolución. La gran referencia del giallo El pájaro de las plumas de cristal (Dario Argento, 1970) supuso una enorme influencia, y es que en esta evolución del slasher la influencia del giallo fue fundamental, destacando también Bahía de sangre (Mario Bava, 1971), que adelantó mucho del slasher moderno. Volviendo al cine de Estados Unidos, puede decirse a modo anecdótico que Noche silenciosa, noche sangrienta (Theodore Gershuny, 1973) sería el primer slasher que relaciona los crímenes con una determinada fecha, en este caso la Navidad, idea de la que se inspiró la canadiense Black Christmas (Bob Clark 1974), una de las películas fundamentales pues representa la transición hacia lo que terminaría siendo el género, de hecho muchos consideran que, en realidad, ésta fue la primera película del slasher moderno, ya que cuenta con la mayoría de elementos de éste, como el desarrollo de la acción en un corto periodo de tiempo dramático y en un escenario aislado o su temática adolescente, siendo además el primer slasher que absorbe de manera notoria las influencias del giallo. A los slashers que mantienen el suspense de este género italiano como la identidad desconocida del asesino se les puede considerar “giallo a la americana”. La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974) añadió una mejor utilización de los espacios, siendo otro film realmente adelantado a su tiempo.

La película que revolucionaría el género, que se podrá poner en duda si fue o no el primer slasher moderno pero que en todo caso existe unanimidad de que ésta si se puede considerar como tal, fue Halloween (John Carpenter, 1978), un filme que puede decirse que evoluciona lo hecho en Black Christmas (Bob Clark 1974), de hecho el proyecto nació pensado como una secuela de este film. La presencia de un asesino enmascarado de presencia fantasmal que acecha a un grupo de adolescentes “desmadrados” junto a otros aspectos como su magnífica utilización de los escenarios en lugares vacios y aislados definiría el slasher moderno, siendo también el film que determinó la presencia de una “Scream Queen” (y, también, de “final girl”). El éxito de esta película, con un asesino cuya identidad conoce el espectador y de comportamiento autómata, hizo que este tipo de slashers alcanzaran mayor popularidad que los de whodunit. Después, surgiría una oleada de películas inspiradas por Halloween (John Carpenter, 1978) que formarían una corriente de films que hicieron que, precisamente, se acuñase el término slasher y se considerase este subgénero del psychokiller.

Años 80: slasher moderno

La moda de Halloween (John Carpenter, 1978) marcó los años 80, en el caso de dos películas, la canadiense Noche de graduación (Paul Lynch, 1980) y El tren del terror (Roger Spottiswoode, 1980), contando como reclamo con la “Scream Queen” del filme de Carpenter, Jamie Lee Curtis. Pero si entre 1978 y 1980 la producción de slashers se incrementó considerablemente por Halloween (John Carpenter, 1978), la que provocó la llegada de una enorme cantidad de estas películas fue Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980), provocando de hecho secuelas de Halloween (John Carpenter, 1978) y hasta de Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960). Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980) fue algo así como la recopilación de las características del slasher y el llevar éstas hasta el extremo. Así pues, sus guiños e influencias van desde Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) a Halloween (John Carpenter, 1978). El suspense y lo psicológico se diluyen mucho cobrando ya todo el protagonismo la cadena de asesinatos, incluyendo grandes cantidades de gore, y es que Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980) fue, además, la película que llevó al “mainstream” el cine gore, la que lo puso de moda. Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980) representa, por tanto, la parte más extrema del slasher, plagado de sangre y sexo, más como reclamo que como forma de un determinado discurso, de hecho la simplona manera de reflejar esto deforma lo narrado en Halloween (John Carpenter, 1978), dando la impresión de que existiera un discurso conservador. Aunque no era de lo mejor del género, se hizo en el momento adecuado, se vendió bien y aglutinaba cosas que al público cada vez le interesaban más, resultando un gran éxito, lo cual hizo que se hicieran continuaciones, en donde se potenciaba aún más la delirante violencia con asesinatos imaginativamente sangrientos, realizados de manera sorprendente e impactante. Esta reducción a lo más elemental, con una estética sombría y algo sucia, marcó el slasher desde entonces.

Los años más profusos fueron los primeros 80, aunque el género por haber evolucionado hacia unos temas tan básicos no tardó en caer en lugares comunes, repitiéndose, sin embargo el slasher sobrenatural Pesadilla en Elm Street (Wes Craven, 1984) refrescaría el estilo, siendo una de las películas de terror consideradas clave de la década. Si en los primeros tiempos del género de terror los grandes iconos eran monstruos como Drácula, el hombre lobo y la momia, en los años 80 ocuparían su lugar Michael Myers (Halloween), Jason Voorhees (Viernes 13) y Freddy Krueger (Pesadilla en Elm Street), y es que como aquellos, aparecieron en muchas películas, de hecho el slasher terminó caracterizándose por sus prolongadas sagas, lo que unido a la reiteración de esquemas terminó sumiendo al género en decadencia en la segunda mitad de los 80, además de que a finales de la década el propio cine de terror empezó a estar en crisis lo que, por desgracia, se materializó completamente en la posterior década, y el slasher padeció también estas consecuencias.

Desde entonces

Los 90 fueron una de las peores épocas para el cine de terror, un género que pese a sus dificultades había sido muy explotado, y si ya “todo estaba inventado”, más aún en un género tan específico como el slasher. Los primeros años de los 90 se caracterizaron, además de por la renovación que empezó a tomar el género de terror con películas como El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991), por mantener aún algunas películas de estilo “ochentero”, pero el mejor slasher de la década sería la algo más moderna Candyman (Bernard Rose, 1992), que con el surgimiento de una mediocre saga terminaría creando un nuevo icono del género. Sin embargo, Scream (Wes Craven, 1996) recuperó el éxito para el cine de terror, un homenaje al slasher y al terror moderno que a la vez encerraba una parodia sobre sus tópicos, con los que jugaron a “romper las reglas” del género. Pese al incremento de la producción de género en la segunda mitad de los 90, la calidad aún no fructificaría mucho, y Scream (Wes Craven, 1996) sirvió de modelo para una nueva hornada de slashers, es decir, argumentos más referenciales, estética sobria y pulcra y tramas más enrevesadas, volviendo a primar el whodunit, no tanto en el otro slasher ideado por el guionista Kevin Williamson, Sé lo que hicisteis el último verano (Jim Gillespie, 1997), o al menos en la saga de éste que toma mayor referencia de los asesinos sobrenaturales. Los aficionados a este subgénero del psychokiller echaron de menos los excesos de muchos slashers de los 80. Esta nueva corriente que no aportaba casi nada nuevo al género fue decayendo, pero en la década de los 2000 el cine de terror volvió a estar en auge cobrando importancia lo que puede considerarse terror posmoderno, algo de lo que bebería el slasher, siendo el más influyente la francesa Alta tensión (Alexandre Aja, 2003), película que recupera la brutalidad apoyada en una estética plástica dándole una nueva vuelta de tuerca a los asesinatos, aunque es discutible si esta película en realidad es más slasher o más survival horror.

Aunque su etapa de mayor apogeo haya pasado el slasher permanece como un género recurrido que sigue gustando al público, aunque a veces se canse de éste y lo deje aparcado durante un tiempo, pero seguiremos disfrutando mucho tiempo de slashers.

- Paco Antequera